Arquitectura Pujades – Arquitectos en Gijón, Asturias

Amadeo Modigliani, pintor, le sorprendió la muerte cuando alcanzaba la gloria.

Modigliani fue el creador exaltado y perturbado de una obra calmada y humana. Su arte irradiaba una sensación de sosiego y eternidad conmovedora.

La aventura plástica de Modigliani tuvo como marco un escenario privilegiado – el parís moderno, capital mundial del arte y la cultura- en una época también privilegiada- la de las transformaciones más fecundas y profundas del arte moderno.  Muy pocos artistas quedaban fuera de la influencia de las fuertes y atrayentes personalidades de Picasso y Matisse. Modigliani fue una de las pocas figuras que se mantuvieron al margen. El caso de Modigliani fue excepcional. En plena ebullición de las propuestas de las vanguardias artíticas- primero fueron el fauvismo, el cubismo y el futurismo; más tarde, en plena guerra el dadaísmo, él apareció como una figura excéntrica. Su desarrollo artístico no puede asimilarse a ninguno de los movimientos de vanguardia activos en la escena parisina. Estableció pocos lazos con esas propuestas, si bien muchos vínculos sociales, aunque escasas afinidades estéticas. En “La pintura futurista. Manifiesto técnico”, presentado públicamente en Milán en 1910“ se  decía: “contra el desnudo en la pintura, tan aburrido y oprimente como el adulterio en la literatura”- sus temas preferidos eran los que tenía relación con la vida urbana, los nuevos medios de transporte y la velocidad creciente, todo aquello que ensalzaba la vida contemporánea. Nadie más a contracorriente de este pronunciamiento estético que Modigliani que no sólo no compartía los principios antitradicionales del futurismo sino que sentía una gran admiración por los maestros italianos del Medievo y el Renacimiento. Supo inyectar al clasicismo una renovada modernidad. La cualidad de lo moderno en su obra radica en haber dotado a temas pictóricos tan tradicionales, como el retrato y el desnudo , de una nueva y original expresividad.  No se adscribió a nada y sin embargo, fue, con seguridad, uno de los artistas más originales de su tiempo. Su arte demostró que en el París de las vanguardias, se podía ser moderno sin pertenecer a ningún movimiento puntero. Su obra no creó escuela, en el sentido de que no ha dejado discípulos, no huno continuidad metódica en sus investigaciones plásticas, lo que constituye la mejor demostración de la originalidad y autenticidad de su arte. Ecole de Paris designa a un vago grupo de artistas residentes en la ciudad en un período comprendido entre los años posteriores a la Primera Guerra Mundial y la década de 1940. No existe una definición precisa de esta denominación, pero todos coinciden en la que Ecole de París es una denominación genérica que se utiliza para referirse a un conjunto de jóvenes adscritos al arte moderno, que llegaron de todo el mundo a vivir y trabajar en la capital francesa. No se trataba de un movimiento organizado, sino más bien de un ambiente cultural que nació de la presencia de múltiples espíritus creativos. A diferencia de aquellas tendencias artísticas que buscaban constantemente romper con las reglas del arte- como el cubismo, el dadaísmo, el surrealismo o el arte abstracto- los miembros de la Ecole de París practicaban un arte más conservador, más tradicional y siempre dentro de los límites del arte figurativo. A pesar de haber comprendido e introducido las significativas innovaciones de aquellas tendencias, estos artistas recuperaron las formas más tradicionales de pintar, retomaron el ejercicio del dibujo y volvieron la mirada hacia la historia del arte y a la naturaleza. A esta tendencia pictórica se la conoció bajo la expresión retour à l´ordre. Sus temas recurrentes fueron los retratos, los paisajes y las naturalezas muertas. Este retorno a la pintura más tradicional también se hizo evidente en las obras que abordaban el tema clásico del desnudo femenino.  Las formas estilizadas y sensuales de los desnudos de Modigliani, clásicas y modernas a la vez son un buen ejemplo de ello.